Orfeo es hijo de Apolo, dios de la música y las artes, y de Calíope, musa de la poesía épica y la elocuencia, de quienes hereda de ellos el don de la música y la poesía. Si Apolo era el mejor músico entre los dioses, Orfeo era el mejor músico entre los mortales. Capaz de apaciguar a los animales y monstruos con su lira, su talento fue vital en aventuras como la de los Argonautas, donde con su música desvió la atención de sus compañeros del canto de las sirenas y durmió a la serpiente que nunca dormía.
Orfeo y Eurídice
Después de haber vivido todas esas aventuras, Orfeo se refugia en Tracia. Allí conoce a la dríade o ninfa del bosque, Eurídice, se enamora de ella y se casan. Pese a vivir en la corte, Eurídice sigue visitando el bosque y a sus compañeras ninfas. En una de esas visitas, Eurídice se encuentra con un cazador, que persigue un cervatillo. Eurídice se niega a indicarle el camino por el que ha huido el cervatillo y el cazador se enfurece con ella, revela ser Aristeo, el dios de los cazadores y pide un beso de Eurídice para sentirse menos agraviado. Ella se niega y huye de él. Aristeo la persigue y, en la persecución, Eurídice es mordida por una serpiente.
En el palacio, Orfeo se preocupa por la tardanza de su esposa, manda a unos soldados que la busquen y ellos traen su cadáver de vuelta a casa.
Orfeo, inconsolable, no acepta la muerte de su esposa y decide hacer algo al respecto: irá a buscarla al infierno, el Hades, para traerla de vuelta a la vida.
Orfeo y Eurídice, de Joseph Paelinck (1818)
El viaje al Hades
Orfeo bordea el mar Jonio hasta llega al río Estigia, donde Caronte y su barca esperan para llevar a los muertos al otro lado, es decir, al infierno. Orfeo, que en su viaje sólo lleva su lira, toca el instrumento. Caronte, conmovido por la música, acepta llevar a Orfeo en su barca. Al otro lado está el can Cerberos, un perro de tres cabezas que también sucumbe a la música de la lira de Orfeo.
Finalmente, el héroe llega hasta la reina del infierno, la esposa de Hades, Perséfone. Ella decide permitir a Eurídice que vuelva al mundo de los vivos, pero con una condición: si Orfeo se vuelve a mirar a su esposa antes de salir por completo del inframundo y llegar a la luz del día, Eurídice volverá al Hades, y para siempre.
Orfeo acepta y se reúne con Eurídice. Los dos afrontan su camino de salida del Hades, a través del lago Estigia y después un estrecho pasadizo que los lleva de nuevo a la tierra. Orfeo siente varias veces la tentación de girarse para comprobar si Eurídice le sigue o si Perséfone le ha engañado y quien va detrás de él es un demonio. Sin embargo, resiste, y cuando él ya está fuera del Hades, se gira a mirar a su esposa, pero a ella todavía le faltaba un paso -un pie en la sombra- para salir del inframundo y llegar a la luz del sol, y se desvanece ante el desesperado Orfeo.
Según la obra de Ovidio "Metamorfosis", en los últimos años de su vida Orfeo rechaza a los dioses por su crueldad, y rinde culto sólo al Sol. Un día vagando por un monte donde también había un templo de Dioniso, es atacado por las ménades, ninfas seguidoras de Dioniso y que, poseídas por una especie de locura mística, vagaban en estado semisalvaje. Orfeo se niega a adorar a Dioniso y las ménades le despedazan.
El mito de Orfeo y su viaje al Hades sirvieron como base para el orfismo, uno de los cultos mistéricos que se propagaron por la Antigua Grecia a partir del siglo VII antes de Cristo y que tenía puntos en común con el pitagorismo, como su creencia en la reencarnación.
Aquí, la ópera, del compositor alemán Christoph Willibald von Gluck:
Acto primero: Orfeo, desesperado, llora la muerte de Eurídice y ante sus lamentos e imprecaciones los dioses le permiten descender al Hades para rescatarla, pero con la única condición de no mirarla hasta estar bajo los rayos del sol.
Acto segundo: Orfeo es recibido en los infiernos por las amenazantes Furias, que son aplacadas por la voz y la música del héroe, que finalmente encuentra a su amada. El coro de las furias es uno de los pasajes corales más representativos de la época, «Chi mai dell'Erebo».
Acto tercero: Orfeo y Eurídice emprenden el camino de regreso al mundo de los vivos, pero poco antes de llegar, Orfeo incumple la condición impuesta y nuevamente pierde a Eurídice. Desconsolado, el héroe llora lamentando la pérdida de su esposa, hasta que Cupido, apiadado por su llanto y en recompensa por su amor constante, resucita a Eurídice. Finalmente ambos enamorados regresan a su patria donde son recibidos entre el alborozo general.
CD1 01. Overtura 02. Atto I. Ah! se intorno a quest'urna funesta (Coro, Orfeo) 03. Amici, quel lamento aggrava il mio dolore (Orfeo) 04. Pantomime 05. Ah, se intorno a quest'urna funesta (Coro) 06. Restar vogl'io da sol fra l'ombre oscure (Orfeo) 07. Chiamo il mio ben cosi (Orfeo) 08. Euridice, Euridice, omra cara (Orfeo) 09. Cerco il mio ben cosi (Orfeo) 10. Euridice! Euridice! (Orfeo) 11. Piango il mio ben cosi (Orfeo) 12. O Numi, barbari Numi (Orfeo) 13. Amore assistera l'infelice consorte! (Amore) 14. Se il dolce suon de la tua lira (Amore) 15. Ciel! Lei riveder potro! (Orfeo, Amore) 16. Gli sguardi trattieni (Amore) 17. Che disse? Che ascoltai! (Orfeo) 18. Atto II. Scena 1. Introduzione 19. Chi mai dell'Erebo (Coro) 20. Ballo 21. Chi mai dell'Erebo (Coro) 22. Deh! placatevi con me! (Orfeo, coro) 23. Misero giovine! Che vuoi, che mediti? (Coro) 24. Mille pene, ombre sdegnose (Orfeo) 25. Ah! quale incognito affetto flebile (Coro) 26. Men tiranne, ah, voi sareste (Orfeo) 27. Ah! quale incognito affetto flebile (Coro) 28. Ballo delle Furie 29. Scena 2. Ballo degli Spiriti Beati 30. Air 31. Questo asilo di placide calme (Euridice, coro)
CD2 01. Che puro ciel! Che chiaro sol! (Orfeo) 02. Vieni ai regni del riposo (Coro) 03. Ballo degli Eroi 04. O voi, ombre felici (Orfeo, coro) 05. Torna, o bella, al tuo consorte (Coro) 06. Atto III. Vieni! segui i miei passi (Orfeo, Euridice) 07. Vieni, appaga il tuo consorte! (Orfeo, Euridice) 08. Qual vita e questa mai (Euridice) 09. Che fiero momento! (Euridice) 10. Avveza al contento d'un placido obblio (Euridice, Orfeo) 11. Che fiero momento! (Euridice) 12. Ecco novel tormento! (Orfeo, Euridice) 13. Che faro senza Euridice? (Orfeo) 14. Ah! Finisca e per sempre (Orfeo) 15. Orfeo! Che fai? (Amore, Orfeo) 16. Trionfi Amore! (Orfeo, Amore, Euridice, coro) 17. Ballo: Gracieux 18. Gavotte 19. Air vif 20. Menuet 21. Divo Amore, son tue pene (Euridice, Orfeo, Amore, coro) 22. Ballo: Maestoso 23. Tres lentement 24. Chaconne
Performer: Orfeo - Shirley Verrett Euridice - Anna Moffo Amore - Judith Raskin Polyphonic Chorus of Rome Instrumental Ensemble of the Collegium Musicum Italicum I Virtuosi di Roma Conductor - Renato Fasano
"Shirley Verrett makes a deeply impressive Orfeo, firm and pure in sound, classically restrained in expression; and her "Che farO", at a moderate, beautifully judged speed, is very finely sung, poised and quietly moving. The set is conducted by Renato Fasano, whose pacing of the score shows a very sure touch. The dance music has a grace and lightness, and a stylistic command, that one might not have expected from an orchestra which in those days seemed to be fed chiefly on a diet of Vivaldi."(Gramophone)
El próximo sábado 26 de marzo, la Comunidad de Madrid celebrará la quinta edición de La Noche de los Teatros, una intensa jornada de artes escénicas al alcance de todo el mundo.
Esta iniciativa coordinada por la Vicepresidencia y Consejería de Cultura y Deporte del Gobierno de la Comunidad de Madrid reunirá, desde las 17 hasta las 01.00 horas, a artistas y público en teatros, salas alternativas, salas de música en directo, espacios urbanos, bibliotecas públicas, etc. Un total de 132 espacios de 22 municipios acogerán las 176 actividades de esta tarde-noche en la que la Comunidad de Madrid será un gran escenario teatral.
Ludovico Einaudi - "Divenire" (Live @ Royal Albert Hall London):
Ludovico Einaudi - Nuvole Bianche (Original):
Ludovico Einaudi - Primavera:
Ludovico Einaudi (Turín, 23 de noviembre de 1955) es un compositor y pianista moderno que destaca por el desarrollo de frases melodiosas en sus composiciones para piano.
De niño su madre tocaba el piano con él. En 1982 se diploma en composición en el Conservatorio de Música Giuseppe Verdi de Milán con Azio Corghi. Ese mismo año recibe una beca para el Tanglewood Festival de Estados Unidos y continúa sus estudios con Luciano Berio. Tras pasar varios años componiendo en formas tradicionales, en 1986 comienza la búsqueda de un lenguaje musical más libre y personal a través de una serie de trabajos para danza, multimedia y más tarde para piano.
Su música es ambiental, para meditar y a menudo introspectiva. Aunque no le gusta ser etiquetado como perteneciente a un estilo u otro se le suele considerar minimalista, etiqueta con la que el propio Ludovico está de acuerdo: "En general no me gustan las definiciones, pero ‘Minimalista' es un término que significa elegancia y sinceridad, por lo tanto prefiero ser llamado minimalista a cualquier otra cosa". (leer más)
Cuando se le planteó a Sergei Prokofiev la composición de un ballet basado en la tragedia de Shakespeare, de los dos jóvenes amantes, el músico vaciló. No estaba seguro de que se pudiera traducir el contenido psicológico complejo del drama a un medio sin palabras. Finalmente compuso Romeo y Julieta en la primavera y el verano de 1935. El estreno tuvo lugar en Brno, Checoslovaquia, en diciembre de 1938. (leer más...)
Romeo y Julieta (op. 64) (en ruso: Ромео и Джульетта) es un ballet de Sergéi Prokófiev basado en la obra de William Shakespeare Romeo y Julieta. La música del ballet le sirvió de base a Prokofiev para componer tres suites orquestales y diversas obras para piano.
La creación del ballet fue difícil. La obra fue encargada por el teatro Kirov de Leningrado en 1934, pero cuando Prokófiev propuso el tema de Romeo y Julieta, el teatro lo rechazó. Posteriormente, el compositor firmó un contrato con el Teatro Bolshói para representar el ballet, pero tampoco tendría fortuna. Una vez terminada la partitura, en el verano de 1935, los bailarines van a declarar el ballet como imposible de bailar, sobre todo a causa de la complejidad rítmica y de pasajes que juzgaban inaudibles.
Prokófiev trabajó durante 1936 para extraer del ballet dos suites para orquesta sinfónica en siete movimientos, así como una trascripción para piano. En 1946 escribió una tercera suite.
El ballet no se estrenó hasta 1938 en Brno, donde fue muy bien acogido. Le siguieron el estreno ruso en 1940 en el Kirov, y en 1946 en el Bolshoi.
Es una de las obras más apreciadas del compositor y del arte ruso, en base a la alta inspiración melódica, la gran variedad rítmica y el carácter memorable de los temas principales (el célebre y siniestro Baile de los caballeros y sus diversas variaciones; el delicado y abundante tema de Julieta).
Una furtiva lagrima es una romanza para tenor incluída en la ópera L'elisir d'amore, compuesta por Gaetano Donizetti en 1832. Constituye el aria más célebre de esta ópera. Una furtiva lagrima se canta durante la séptima escena del segundo acto.
Nemorino ha comprado un supuesto elixir a un charlatán, pensando que con él conquistaría el corazón de Adina, una rica terrateniente, pero el ardid parece no causar efecto, y por el contrario, Adina anuncia su compromiso con otro pretendiente. Desesperado y sin dinero suficiente para otra dosis de elixir, el enamorado se enrola en la Marina. Al saberlo, Adina se enternece y deshace su compromiso, aceptando amar a Nemorino, que canta en la canción su alegría por haber logrado su propósito.
Libreto original (italiano): Una furtiva lagrima negli occhi suoi spuntò: Quelle festose giovani invidiar sembrò. Che più cercando io vò? Che più cercando io vò? M'ama! Sì, m'ama, lo vedo. Lo vedo. Un solo istante i palpiti del suo bel cor sentir! I miei sospir, confondere per poco a' suoi sospir! I palpiti, i palpiti sentir, confondere i miei coi suoi sospir... Cielo! Si può morir! Di più non chiedo, non chiedo. Ah, cielo! Si può, Si può morir Di più non chiedo, non chiedo. Si può morir, Si può morir d'amor.
Traducción al castellano:
Una furtiva lágrima en sus ojos despuntó, a aquellas alegres jóvenes envidiar pareció. ¿Qué más voy buscando? ¿Qué más voy buscando? Me ama, sí, me ama, lo veo, lo veo. ¡Un solo instante los latidos de su hermoso corazón sentir! Mis suspiros confundir por poco con sus suspiros. Los latidos, los latidos sentir, ¡confundir los míos con sus suspiros! ¡Cielos, se puede morir...! No pido más, no pido. ¡Ah! ¡Cielos, se puede, se puede morir...! No pido más, no pido. Se puede morir...¡Se puede morir de amor!
No sé, pero siempre me impresionan estos genios que mueren tan prematuramente... Me da por pensar en cuánto talento y cuánta belleza nos hemos perdido con su desaparición. En fin...
George Gershwin (Brooklyn, Nueva York, 26 de septiembre de 1898 - Beverly Hills, California, 11 de julio de 1937), con nombre de nacimiento Jacob Gershovitz, fue un compositor estadounidense.
En un país que, hasta el final de la Primera Guerra Mundial, había dependido en el ámbito musical casi exclusivamente de modas, compositores e intérpretes llegados de Europa, George Gershwin fue el primero en hacer oír una voz inequívocamente autóctona, aunque capaz, al mismo tiempo, de conquistar el éxito fuera de las fronteras de su patria. Y lo hizo a través de unas obras en que hábilmente se sintetizaban elementos procedentes del jazz y de la tradición clásica, y que le permitieron destacar por igual en campos tan dispares como el de la música sinfónica y la popular.
Hijo de una familia de inmigrantes rusos de origen judío, su talento para la música se manifestó a temprana edad, cuando, mediante un voluntarioso aprendizaje autodidacto, aprendió a tocar el piano de oído. Ante su entusiasmo, su padre decidió hacerle estudiar en serio con un profesor, Charles Hambitzer, quien le descubrió el mundo sonoro de compositores como Liszt, Chopin o Debussy.
Sin embargo, los grandes referentes de Gershwin en aquellos primeros años fueron Irving Berlin y Jerome Kern, reyes del Broadway de la época gracias a sus canciones y sus comedias musicales. El deseo de triunfar como compositor en las salas de concierto, aunque latente entonces, no tomaría forma hasta años más tarde.
Así, abandonó en 1914 sus estudios para trabajar en unos almacenes de música en los que, sentado al piano, presentaba al público las melodías de moda. Pronto se animó él mismo a componer sus primeras canciones, algunas de las cuales consiguieron cierta popularidad y, sobre todo, le valieron la oportunidad de escribir su primer musical para Broadway, La, la, Lucille.
Su inmediato éxito significó el verdadero comienzo de su carrera como compositor. A éste siguieron otros títulos como Lady Be Good, Oh Kay!, Funny Face, Girl Crazy y Of Thee I Sing, que contribuyeron a cimentar su fama y a convertirlo en un personaje aún más popular que sus admirados Kern y Berlin.
A partir de la década de 1920, inició también la composición de otros trabajos destinados a las salas de concierto. Fecha señalada en este sentido fue la del 12 de febrero de 1924, cuando estrenó en el Aeolian Hall de Nueva York su Rhapsody in blue, una pieza para piano y orquesta en la que de manera original se sintetizaban algunos elementos del jazz, como la síncopa, con otros de procedencia clásica. La obra fue polémica, sobre todo a causa de esa misma mezcla de estilos «serio» y «ligero» que constituye su esencia, pero en poco tiempo consiguió hacerse con un puesto en el repertorio de los mejores solistas y las más destacadas orquestas.
El éxito no hizo olvidar a Gershwin sus numerosas lagunas técnicas, por lo que prosiguió sus estudios musicales con la intención de enriquecer su estilo y abordar metas más ambiciosas. En 1925 llegó otra composición concertante, el Concierto para piano en fa, a la que siguió tres años más tarde la pieza sinfónica Un americano en París. La culminación de su carrera como compositor llegó en 1935 con la ópera Porgy and Bess, convincente retrato de la vida de una comunidad negra en el sur de Estados Unidos, en la que el autor, fiel a su estilo, sintetizó las dos tradiciones que conocía: la estadounidense, representada por el jazz y el espiritual, y la sinfónica europea.
A pesar de algunas dificultades iniciales, Porgy and Bess se impuso rápidamente en los escenarios de todo el mundo, hasta el punto de que hoy es la ópera estadounidense por antonomasia.
"Summertime" es un aria compuesta por George Gershwin, con letra de DuBose Heyward, Dorothy Heyward e Ira Gershwin para la ópera Porgy and Bess, de 1935. Esta canción conforma un importante referente dentro de la música, convirtiéndose en un estándar dentro del jazz.
Gershwin comenzó a escribir esta canción en diciembre de 1933, su intención fue capturar el folcklore de la música afroamericana de esos tiempos.
Gershwin, sin embargo, no pudo disfrutar durante mucho tiempo de su éxito: un tumor cerebral truncó prematuramente su vida, privando a la música estadounidense de uno de sus compositores más representativos y universales. (fuente)
A comienzos de 1937 comenzó a experimentar dolor de cabeza, mareos y desmayos. Los análisis no revelaron ninguna causa aparente, pero el dolor de cabeza se incrementó con mayor frecuencia y severidad hasta que el 9 de julio Gershwin colapsó en un estado de coma y le fue diagnosticado un tumor cerebral. La Casa Blanca envió dos destructores para que trajeran de su yate, en la Bahía de Chesapeake donde se encontraba de vacaciones, a uno de los más prominentes especialistas de cerebros. Con el tiempo necesario, el Dr. Dandy alcanzó el aeropuerto Newark en su camino a Hollywood; sin embargo, los cirujanos locales decidieron que era necesario operar a George y se encontraron con una situación desesperante. Gershwin nunca se despertó de su coma y falleció el 11 de julio de 1937, a dos meses y medio de cumplir los 39 años, silenciando prematuramente a una de las voces musicales estadounidenses más frescas y creativas.
El novelista John O'Hara resumió la actitud de muchos estadounidenses quienes se rehusaron a creer que Gershwin había muerto cuando dijo, "No lo creeré si yo no quiero". (fuente)
Reproduzco íntegro un texto biográfico que me ha encantado. Autor: Eunice Castro. Jun. 12, 2009:
"George Gershwin, el gran compositor de música
"La vida es como el jazz... es mejor cuando puedes improvisar".
A principios del año 1892, Morris Gershovitz arribaba al puerto de New York Harbor, entre miles de judíos rusos que deseaban comenzar una nueva vida en América. Pero Morris tenía, además, otra razón poderosa: la de reencontrarse con Rose Bruskin, una linda jovencita quinceañera a quien conocía desde su natal St. Petersburgo y a la que sus padres hacía poco habían traído consigo al emigrar a New York.
Morris era solo cuatro años mayor que Rose. El consiguió trabajo como dibujante en una fábrica de calzados y no tardó en pedir la mano de Rose. El 21 de julio de 1895, la pareja se casó en una tradicional ceremonia judía a la que asistieron sus amigos rusos de New York.
Rose y Morris se instalaron en un pequeño apartamento en la esquina de las calles Hester y Eldridge, un área de la ciudad mayormente judía, muy pobre.
Morris dejó su trabajo en la fábrica de calzados decidido a comenzar un negocio por cuenta propia, dando inicio a una serie de nuevos negocios durante el transcurso de su vida, entre los que estarían un restaurante, un baño turco, una panadería, una tienda de tabacos, un salón de billar y un establecimiento de apuestas en una pista de caballos.
El decidió americanizar su apellido Gershovitz por el de Gershvin, que finalmente declinaría en Gershwin.
Rose quedó embarazada de su primer hijo, Israel (más tarde Ira), que nació el 6 de diciembre de 1896. No tardó Morris en querer mudarse para Brooklyn y le dijo a Rose que había encontrado una casa de ladrillos de dos plantas, en el número 242 de la avenida Snedicker.
-¡Nos dan gratis el primer mes de alquiler! -dijo jubiloso.
A Rose le gustó tener más espacio. Muy pronto quedó embarazada de nuevo, y el 26 de septiembre de 1898 daba a luz a Jacob, al que dos años más tarde llamarían George, sin imaginar que en el futuro este hijo se convertiría en el célebre músico norteamericano, sumamente creativo y genial.
Apenas a seis semanas del nacimiento de George, su padre mudó a su familia de nuevo a Manhattan.
Con su manía de vivir cerca de su trabajo, Morris mudaría a los suyos 30 veces en menos de 20 años.
El 14 de marzo de 1900, Rose tuvo a Arthur, su tercer hijo. Ella anhelaba tener una niña, pero ese deseo no se le cumplió hasta el 6 de diciembre de 1906, cuando nació su hija Frances.
Ira era tranquilo y le gustaba quedarse en casa leyendo, mientras que George se sentía feliz jugando hockey, peleando con su grupo de amigos y patinando.
Cuenta el biógrafo Roland Vernon en su libro Introducing Gershwin, que en una pelea callejera, George se cortó una ceja que le dejó una profunda cicatriz para el resto de su vida.
Patinando por Harlem, George sintió una excitación que nunca olvidaría. En el Club Baron Wilkins tocaba el conjunto de Jim Europe, y escuchó la música negra que interpretaban, como gospel y jazz. Desde entonces se sentaba bajo la ventana del Wilkins para escuchar la música en vivo.
Un día, se encontraba jugando en el patio de la escuela, cuando George, de 10 años de edad, escuchó a través de una ventana una música de violín que lo hechizó. Era el joven Maxie Rosenzweig, quien haría carrera bajo el nombre de Max Rosen y estaba ensayando la Humoresque de Dvorak.
-Tengo que felicitar a este chico -dijo George en voz baja.
Y lo esperó en la puerta hora y media, aunque llovía y tenía frío. Pero Rosenzweig salió por otra puerta. Entonces George averiguó su dirección y se presentó en su casa.
-Es una pena -le dijo la madre-. Maxie acaba de irse.
No obstante, la señora amablemente concertó un encuentro para el día siguiente. Desde entonces, George y Max se hicieron grandes amigos y, además de jugar al hockey y otras cosas, el violinista le hablaba de música y de los grandes compositores.
-¿Sabes una cosa, Max? Quiero ser pianista.
-George, no tienes nada dentro de ti para ser músico, puedo asegurártelo -le respondió Rosenzweig.
Años más tarde, Gershwin diría:
-Verdaderamente, fue Max quien me abrió el mundo de la música y poco faltó para que me lo cerrase.
Un amigo de George poseía una pianola a la que le daba acceso cuando lo visitaba. Con habilidad inusitada, él colocaba los dedos en las teclas y retenía en su memoria lo que iba haciendo una y otra vez. Este era un secreto que guardaba celosamente.
Un día, Rose Gershwin dijo:
-Es hora ya de que nuestro hijo Ira tome clases de piano con mi tía Kate.
-Estoy de acuerdo -dijo Morris, y compró un piano de segunda mano.
Destaca el biógrafo Paul Kresh, autor del libro An American Rhapsody, que no fue Ira, sino George, de 12 años, quien se sentó al piano en cuanto lo llevaron y tocó una canción completa de las que había ensayado en la pianola, dejando estupefactos y sorprendidos a todos, especialmente a Morris.
-¿Qué es esto? -exclamó su padre asombrado-. ¿Puede un chico tocar piano sin haber recibido una lección en su vida?
George le contó su secreto y su padre no le negó los profesores que necesitaba. Primero fue la tía Kate, después Miss Green, una vecina pianista, más tarde Mr. Goldfarb, un conductor de opereta. Pero fue el brillante maestro Charles Hambitzer quien reveló a George la música de Bach, Beethoven, Listz, Chopin, Debussy y Ravel.
Hambitzer le dio a George confianza en sí mismo, lo inició en la armonía, la teoría musical y la orquestación. Aprendía rápido y el maestro, orgulloso de su talento excepcional, no le cobraba un centavo por las clases.
Guiado por Hambitzer, George comenzó a asistir a recitales de piano y a conciertos de orquestas sinfónicas. A cambió de que lo dejasen entrar gratuitamente, tenía que hacer trabajos en las salas.
En 1912, su madre lo matriculó en una escuela para que estudiase contabilidad.
-Tienes aprender algo práctico para buscarte la vida, la música sólo te la embellece -le dijo ella.
Para George, lo único que contaba era la música. Además de la clásica que le enseñaba Hambitzer, él estaba loco por el ragtime, el jazz y los musicales de teatro. Cuando le era posible, iba a ver una comedia.
George comenzó a escribir algunas canciones en el estilo popular de los compositores Jerome Kern e Irving Berlin. A la edad de 15 años, él decidió dejar la escuela para empezar a trabajar como vendedor en la editora de música Remick's, en la calle Tin Pan Alley.
George tenía que sentarse en una pequeña cabina todo el día, tocando en el piano las últimas canciones más exitosas. Su virtuosismo y el encanto que él emanaba atraían a los clientes. Allí conoció a algunas personas famosas, como los jóvenes bailarines Fred Astaire y su hermana Adele, que se convirtieron en amigos suyos.
George componía y logró publicar su primera canción: When You Want'Em, pero no en la Remick's. Allí le habían dicho: "A usted se le paga para tocar el piano, no para escribir canciones".
Después de tres años, George decidió renunciar a su empleo en la Remick's.
-¡Quiero consagrarme enteramente al teatro musical! -dijo, sin importarle correr el riesgo.
Lo primero que se le presentó en Broadway fue escribir por encargo de Romberg, una melodía para el Passing Show, en el Winter Garden, titulada Making of a Girl. Poco después lo contrataron como pianista para los ensayos de la revista Miss 1917, donde hizo una sólida amistad con Jerome Kern.
Por esa época escribió Rialto Ripples, su primera tentativa de música instrumental en estilo popular. Después, en el mismo teatro le hicieron una oferta como pianista acompañante para ciertos conciertos. En uno de ellos, en noviembre de 1917, una joven cantante llamada Vivienne Segal interpretó dos de las canciones de George con éxito.
-¡Mi sueño se cumple! Mi carrera como compositor ha comenzado -dijo.
George tuvo la oportunidad de hacer audiciones para el editor musical Max Dreyfus de la casa Harms, una de las más importantes de New York, quien le ofreció un sueldo semanal para componer canciones.
-Un hombre como Gershwin no necesita que alguien lo lance. Basta su talento -dijo Dreyfus.
Muchas de las canciones de George se cantaban en las revistas de Broadway, pero lo que él deseaba era escribir su propio musical. Esa oportunidad se le presentó en 1919, cuando el joven productor Alex Aaron le pidió componer todo el repertorio para una nueva comedia musical titulada La, La, Lucille, que fue todo un éxito.
Un día, Al Jolson, gran estrella de Broadway, oyó a Gershwin tocando en una fiesta su canción Swanee y le gustó tanto, que decidió cantarla en su espectáculo teatral. Jolson después la grabó y fue un hit arrollador. En un año, Gershwin ganó 10,000 dólares en derechos, y repentinamente se convirtió en la estrella de Tin Pan Alley.
Aunque George ahora era famoso, apenas era un compositor popular. El deseaba crear piezas de mayor envergadura, pero sabía que debía prepararse más. Y comenzó a recibir lecciones de teoría y orquestación con el maestro Edward Kilenyi.
Por esa época, el bailarín y productor de Broadway, George White, le pidió que escribiera la música de Scandals of 1920, una revista similar a la de Ziegfeld Follies, especializada en una rutina de danzas. Fue un éxito a teatro lleno con 318 representaciones.
Dos años más tarde, George compuso una corta ópera, creando una nueva clase de música norteamericana, mezcla de tres diferentes géneros populares de entonces: jazz, blues y ópera. La llamó Blue Monday. La banda que acompañaba el show era la del famoso director y violinista Paul Whiteman, conocido como el rey del jazz. Gershwin y Whiteman empezaron a mezclar jazz dentro de la música orquestal sinfónica. Ésta fue una de sus más importantes contribuciones a la historia de la música.
Gershwin continuó escribiendo canciones para otros espectáculos y ya se había convertido en parte de la alta sociedad americana. En New York, era invitado a las más glamorosas fiestas y necesitaba muy poca persuasión para que terminara tocando el piano. Las mujeres se sentían atraídas por su atlética figura. Él salía con muchas de las más bellas y jóvenes herederas. También con damas muy interesantes, pero no se enamoraba de ninguna.
-¿Por qué debo limitarme a una sola mujer -decía-, pudiendo tener tantas como yo quiera?
En 1923, George cruzó el Atlántico por primera vez, para la puesta de un nuevo musical en Londres, y lo trataron como una estrella. En su honor, los ingleses le dieron muchísimas fiestas.
De regreso a los Estados Unidos, George acompañó al piano a la soprano canadiense Eva Gautier en un recital, donde algunas de sus canciones fueron incluidas en el programa, siendo la primera ocasión en que el jazz era escuchado en una sala reservada a la música clásica.
-Me has impresionado tanto -le dijo Paul Whiteman-, que quiero interpretar jazz en conciertos.
Paul organizó un concierto especial y pidió a Gershwin que escribiese una pieza para piano y orquesta. George compuso en unos 10 días su célebre Rhapsody in Blue y la estrenó el 12 de febrero de 1924, en el Aeolian Hall de New York. La sala estaba atestada con los más importantes críticos y empresarios musicales, y los más grandes músicos que se encontraban en New York, como Stravinsky, Rachmaninoff y otros. Su rapsodia causó sensación con sus ritmos y tonos de jazz, puramente americanos. Gershwin la describió como un "caleidoscopio musical de América". Rhapsody in Blue consiguió en poco tiempo un puesto en el repertorio de los mejores solistas y las más destacadas orquestas. En sus primeros 10 años, ganó con ella 250,000 dólares.
George viajó de nuevo a Londres en julio de 1924 para trabajar en el musical Pimrose, y entre sus nuevos amigos británicos estaban el joven príncipe de Gales y su primo Lord Louis Mountbatten.
Al regresar a los Estados Unidos, comenzó a trabajar en su musical Lady, Be Good.
En algunas ocasiones, él le había pedido a su hermano Ira que le escribiese la letra de sus canciones, pero esta vez ellos colaboraron juntos en toda la obra. Ira poseía talento para escribir ingeniosos versos y se convirtió en el lírico de George. Aunque ambos hermanos tenían personalidades diferentes, eran fieles devotos el uno del otro y juntos trabajaban muy bien.
George siguió cosechando grandes éxitos. En 1926 su Oh, Kay! vendió en tres meses 57,230 copias de partituras. En 1927 le siguió su Funny Face.
Cuando no trabajaba, él jugaba golf o pescaba en aguas profundas del mar. Además, George era un apasionado del arte y coleccionaba obras maestras modernas que incluían a Picasso, Modigliani y Chagall. Ira y él también disfrutaban pintando (arriba hemos visto su autorretrato).
-Después de componer música, pintar es la segunda cosa más importante en mi vida -declaraba George.
En marzo de 1928, él viajó a París donde deseaba estudiar más profundamente composición. Pero cuando intentó ser discípulo de Igor Stravinsky, este le preguntó:
-¿Cuánto dinero ganó usted el año pasado, Gershwin?
-Unos 200,000 dólares -respondió.
-Entonces yo debería tomar clases con usted -respondió el maestro.
Ravel se negó a darle clases, argumentando que "usted perdería su gran espontaneidad melódica para componer en un mal estilo raveliano".
Entonces Gershwin comenzó a escribir su obra sinfónica Un americano en París, en la que incluyó ruidos de las calles.
La pieza se estrenó en New York y la audiencia la adoró, aunque no recibió buenas notas de los críticos. A pesar de la terrible Gran Depresión bancaria, George compuso Girl Crazy en 1930, que protagonizaron Ethel Merman y Ginger Rogers.
Ese año, a George y a Ira les pagaron 100,000 dólares por producir la música de Delicious, un nuevo filme de Hollywood, cuando muchos se suicidaban porque lo habían perdido todo.
George compuso su Second Rhapsody, donde describió los ruidos y la enérgica prisa de Manhattan.
El año 1931 finalizó con el éxito de su último musical en Broadway, Of Thee I Sing, con 441 representaciones y fue la primera comedia musical que ganó un premio Pulitzer, un honor para George e Ira.
En 1932, sufrieron un revés familiar, pues Morris, su padre, murió de leucemia.
Cuentan Edward Jablonski y Lawrence D Stewart, autores del libro The Gershwin Years, que en julio de 1932, George se tomó unas vacaciones en La Habana, donde sintió un profundo interés por la música cubana y los instrumentos nativos, que inspiraron su próximo trabajo orquestal. El compuso Rumba, la que luego llamó Obertura Cubana, y usó instrumentos de percusión.
Aunque George gozaba de fama y fortuna, y había escrito cerca de mil canciones populares, estaba ansioso y preocupado. El deseaba dejar una marca en la historia musical y sabía que necesitaba hacer estudios más avanzados en orquestación. Para ello eligió al maestro ruso Joseph Schillinger, de quien recibiría clases por cuatro años.
El 16 de abril de ese año, George dio un concierto al aire libre en el Lewisohn Stadium, el primero donde toda la música era suya. El público lo aplaudió con delirio.
-¡Al menos mis ambiciones han sido satisfechas en parte! -dijo emocionado.
Sus próximos musicales en 1933 fueron Pardon My English y Let'Em Eat Cake, de temas políticos, que fueron un fracaso.
George se volcó en algo que había deseado por años: hacer una ópera basada en Porgy, la novela del escritor DuBose Heyward, de la que también este había coescrito con su esposa Dorothy una obra teatral.
Gershwin tituló su ópera Porgy and Bess, y los textos fueron escritos por Ira y Heyward. El tema trataba sobre el estilo de vida afroamericano en la ficticia Calle Bagre en Charleston, Carolina del Sur, a principios de la década de 1930, y Porgy, un inválido afroamericano que habita en los suburbios, intentar rescatar a Bess de las garras de Crown, su proxeneta, y de un vendedor de drogas.
La ópera se estrenó el 10 de octubre de 1935 con un reparto conformado exclusivamente por cantantes afroamericanos, con preparación en música clásica, lo que fue una aventurada visión artística para la época. George estaba decidido a que su obra la considerasen una verdadera ópera y no un musical, pero la crítica de ese entonces la condenó como una mezcla. El no viviría lo suficiente para ver el éxito en que se convertiría, considerada ahora su obra maestra.
En 1935, luego de Porgy and Bess, George Gershwin dirigió su atención a las películas. Ese año se mudó a California y escribió Shall We Dance, para Fred Astaire y Ginger Rogers; A Damsel in Distress, para Astaire, Joan Fontaine y Gracie Allen; y The Goldwyn Follies, con un gran reparto estelar.
Durante esos años en Hollywood, cuentan los biógrafos Irving, Amy y Sylvia Wallace, y David Wallechinsky, en su libro The Intimate Sex Lives Of Famous People, que Gershwin vivió algunos apasionados romances. Uno de ellos fue con la actriz francesa Simone Simon, a quien le ofreció una llave de oro de su casa en Los Angeles. Otro lo sostuvo con la actriz Paulette Goddard, a quien él instó a que abandonara a su marido, Charles Chaplin. También con la bailarina Margaret Manners vivió un idilio; el hijo que ella tuvo fue llamado Alan Gershwin. En 1959, Alan escribió un artículo para la revista Confidencial titulado: "Yo soy el hijo ilegítimo de George Gershwin".
Los biógrafos han tratado de identificar a la mujer de su vida y resalta el nombre de la compositora Kay Swift, a quien Gershwin dedicó las canciones de su Song-Book.
George sufría de trastornos nerviosos y digestivos, y limitaba su dieta a alimentos fáciles de digerir, como cereales y vegetales. Según el biógrafo Edward Jablonski, para combatir lo que George llamaba "estómago de compositor", en un viaje que realizó a México, acompañado por su viejo amigo Edward Warburg, director del American of Ballet, y por el Dr. Gregory Zilboorg, un siquiatra nacido en Rusia, George decidió someterse a varias sesiones de sicoanálisis con Zilboorg. El terminaría viendo a Zilboorg cinco veces por semana durante un año.
En febrero de 1937, George estaba tocando el piano en un concierto cuando de repente se desmayó. Los análisis que le hicieron no revelaron ninguna causa aparente. Pero en el verano él experimentó mareos, fuertes dolores de cabeza y se ponía de mal humor con facilidad, cosa inusual en él.
Según cuenta la biógrafa Carin T. Ford en su libro George Gershwin, este fue llevado un día al Hospital de Los Angeles y le hicieron una serie de exámenes. Nuevamente no encontraron nada. Todos pensaron que era exceso de trabajo y acordaron que "todo estaba en su cabeza". No imaginaron que, efectivamente, el mal estaba en su cabeza.
El 9 de julio, George cayó en coma y los médicos descubrieron que tenía un tumor cerebral. Trataron de operarlo, pero ya era tarde. Murió el 11 de julio de 1937 a los 38 años de edad. Su música hoy día suena tan bella y emocionante como cuando la compuso."
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Aquí dejo su preciosa Rhapsody In Blue ("Rapsodia en Blue", no en azul; "blue" es por sus reminiscencias con el blues):
En la película Rhapsody In Blue se narra su vida. Podemos ver fragmentos aquí.
Ya hablamos de ellos aquí. Los bailarines de la "Pilobolus Dance Theatre" son fantásticos. Ahora descubro en Microsiervos este nuevo trabajo de ellos. Bellas formas y contorsionismo de la A a la Z, fotografiados por John Kane.
Orfeo y Eurídice, de Joseph Paelinck (1818)
Según la obra de Ovidio "Metamorfosis", en los últimos años de su vida Orfeo rechaza a los dioses por su crueldad, y rinde culto sólo al Sol. Un día vagando por un monte donde también había un templo de Dioniso, es atacado por las ménades, ninfas seguidoras de Dioniso y que, poseídas por una especie de locura mística, vagaban en estado semisalvaje. Orfeo se niega a adorar a Dioniso y las ménades le despedazan.
El mito de Orfeo y su viaje al Hades sirvieron como base para el orfismo, uno de los cultos mistéricos que se propagaron por la Antigua Grecia a partir del siglo VII antes de Cristo y que tenía puntos en común con el pitagorismo, como su creencia en la reencarnación.
Aquí, la ópera, del compositor alemán Christoph Willibald von Gluck:
"Shirley Verrett makes a deeply impressive Orfeo, firm and pure in sound, classically restrained in expression; and her "Che farO", at a moderate, beautifully judged speed, is very finely sung, poised and quietly moving. The set is conducted by Renato Fasano, whose pacing of the score shows a very sure touch. The dance music has a grace and lightness, and a stylistic command, that one might not have expected from an orchestra which in those days seemed to be fed chiefly on a diet of Vivaldi."(Gramophone) 
Orfeo y Eurídice, de Rodin
Orfeo y Eurídice, de Antonio Cánova
El próximo sábado 26 de marzo, la Comunidad de Madrid celebrará la quinta edición de 
